Rivisitazione Degli Album Classici: Head Hunters Di Herbie Hancock è Un Jazz Inebriante Per Le Masse

2024 Autore: Francis Oldridge | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 20:40

La prima volta che ho sentito Head Hunters nella sua interezza è stato al secondo anno di college come parte del corso di storia del jazz. Il concetto di ascoltare la registrazione dall'inizio alla fine, senza discussioni, e ottenere credito nel processo era abbastanza intrigante. Erano ben prima delle otto del mattino e l'album continuava a strapparmi la mente. Da allora lo ascolto e, come ogni buona composizione artistica, Head Hunters offre qualcosa di nuovo ad ogni giro.

Rilasciato alla fine del 1973, l'album è stato il dodicesimo lavoro in studio del già affermato Hancock. Il musicista nato a Chicago ha appena concluso trio di album (spesso chiamati la sua era "Mwandishi") che erano particolarmente guidati dall'improvvisazione. Stava cercando di riadattarsi alla musica, lasciando i suoni del jazz spaziale per cui era diventato famoso a favore di qualcosa di più radicato; primordiale anche.

Per il contesto, questo era il fervido lavoro musicale degli dei della chitarra e dei fabbri folk. Di potenti R&B come Marvin Gaye e leggende funk come Stevie Wonder e Sly & the Family Stone. Il jazz stava diventando ancora più lontano, grazie a nuovi effetti e strumentazione, nonché al desiderio mentale collettivo di evadere. Dopotutto, Nixon mostrava segni evidenti di malvagità e di guerra apparentemente infinita in Vietnam.

A San Francisco, Hancock ha assemblato un sestetto di grande talento per l'album, portando molti volti nuovi. Ha scelto di sostituire in gran parte la chitarra con il clavinet e ha inserito una sezione ritmica di talento. Hancock comanda i tasti del sintetizzatore dappertutto, portando le quattro canzoni dinamiche del disco in luoghi in cui gli interi concept album di oltre dieci tracce raramente finiscono. Il dialogo delle sue chiavi è articolato e puntuale, dall'inizio alla fine. Se il cantante solista proprietario del palco avesse mai assunto la forma e il suono di un piano elettrico, sarebbe questo.

La traccia di apertura, "Chameleon", mette in scena una delle linee di basso più allegre in circolazione. È uno dei tanti colossali ganci del disco, che si combina per formare un tema vitale: quel jazz inebriante può essere presentato alle masse, gocciolante con innumerevoli punti di ingresso. Quel gancio forma la spina dorsale di una canzone tremenda e piena di groove che per il segno dei cinque minuti sta già superando se stessa con improvvisazioni abbaglianti e sottili cambiamenti di tonalità. Fissato al riff funky core ma lungimirante nel suo meandro sonoro, la prima metà della traccia è come un incantevole animale selvatico al guinzaglio abbastanza a lungo da ottenere un buon sprint.

La seconda metà della traccia è lounge gold, con tasti scintillanti, percussioni irrequiete e ricchi elementi sinfonici. Il solco è ancora lì, ma è vaporizzato. Il groove centrale è diventato fluido, guadando smooth jazz, funk e piccoli successi di musica da camera sperimentale di mentalità classica, solo per riapparire appena prima della fine della traccia per ricordarti il suo dominio assoluto.

"Watermelon Man" si apre con la linea jug band-esque che da allora è diventata leggendaria. Il compagno di band Bill Simmers soffia nella bottiglia di birra, cercando di imitare i suoni tradizionali dello Zaire (musica pigmeo in particolare). Presta attenzione alla densità della sezione ritmica quando scende, alla giocosità delle chiavi di Hancock e ai molti fiati che con nonchalance si diffondono dentro e fuori dalla traccia. La strumentazione è stata paragonata alla natura percussiva di un drum circle africano, dove ogni individuo suona la propria parte distinta. E come la canzone di apertura, la traccia è chiusa da un groove incredibilmente inebriante.

Quindi, l'album espira in modo udibile. La traccia "Sly" è dedicata all'uomo stesso, adattandosi al fatto che Hancock diventa funky e simile alla chitarra con molte delle sue interiezioni. Una sezione di fiati piena di sentimento pulsa al ritmo delle mani fulminee del batterista Harvey Mason. A volte, suona come un inno funk-rock che viaggia ad alta velocità. Secondo il tema dell'album, c'è innovazione negli assoli esplorativi, ma è tutto fondato su una base estremamente ritmica. La band suona fuori, flettendo le loro singole costolette con frasi rapide.

L'album termina con "Vein Melter", un numero pieno di tensione che flirta con ordine e disordine. C'è il raffinato suono di tamburi dalla mentalità militare, impostato accanto ai tasti svolazzanti di Hancock. C'è qualità cinematografica nelle ondate di suono di sottofondo, spesso guidate dal clarinetto basso. Se ci fosse Fantasivignette ambientato in un caffè all'aperto in una pianura desertica, questa sarebbe la colonna sonora. Presto smette semplicemente di respirare, con pochi ultimi battiti di percussioni per indicare la fine.

Gli Head Hunters sarebbero poi stati campionati da tutti, da Beck e Madonn a George Michael, Coolio e altri. È il primo album jazz a ottenere il disco di platino ed è riconosciuto dalla Library of Congress dal National Recording Registry per i suoi numerosi meriti culturali. Ed è ampiamente e meritatamente salutato come momento filigrana nel regno innovativo della fusione jazz, qualcosa che Hancock ha praticamente definito.

Dagli un giro e perditi per 42 minuti.